建築家・真野晃の日々のこと

縄文のビーナス

正月休みに茅野の尖石縄文考古館へ縄文のビーナスと呼ばれる
土偶を見にいってきました。

甲府あたりから茅野までの電車の車窓からは冠雪したアルプスの
山々を見ることができます。しかも同じ山が右に見えたかと思えば左、
2つの山が並んで見えたかと思えば左右にと変幻自在な風景が展開します。

同乗した方のお話では、これは線路が地形のひだにあわせて蛇行するように
敷かれているためだとのことでした。自然にあわせた結果おそらく
意図せずに出現したすばらしい光景をおおいに堪能しました。
車ばかりでなくやはり電車に乗ってみるものです。


さて、尖石縄文考古館は冬ということもあってか、人が少なくほとんど
貸切状態で鑑賞できました。

縄文のビーナスは、高さ27ｃｍ程度の小さな土偶で、デフォルメされた肉体と
大きく削ら得た背中が特徴です。腕は肩のところで終わっていて
表現されていません。
よく見ると頭からおしり、足までの線がきちんと通っていてそれがどっしりとした
安定感を生んでいるのだと思います。乳房が表現されているので女性だとわかりますが
その大きくデフォルメされおしりには、安産に対する思いがこめられているのでしょうか。
見れば見るほどいろいろな想像をかきたてられる造形です。

同じ場所に仮面の女神と呼ばれる土偶も展示されていて、この2つを見るだけでも
満足できる博物館でした。

酒田市美術館

梅雨の合間に、以前から行ってみたかった東北の
酒田、大湯環状列石を巡ってきました。

酒田市は山居倉庫等古い建物と、土門拳美術館、酒田市美術館等
素晴らしい施設があるのですが、それらを繋ぐ街並みが整備されて
いないのが残念でした。

酒田美術館では鳥海山と対峙する安田侃氏の素晴らしい彫刻を見る
ことができました。このような彫刻は、どこまで周りの環境に呼応し、
環境を取り込んでいるかが勝負だと思います。その点街中におかれた彫刻は、
周りの環境が貧弱なためでしょうか、どこか孤立して見えます。

どうもこのような環境アートはその場所にあったものを創らないといけないようです。
街中では街中の環境にあったアートがあると楽しいのですが。

曽我蕭白の衝撃 筆のスピードそして白を描く

曽我蕭白の絵はすごい。
その衝撃が冷めないうちに、直感的な蕭白感ではあるが
書いておくことにした。

これまでいくつもの水墨画を見てきたが、なにか定式化された画法、
画題になるほどとは思うが、いまひとつ引き込まれない感覚を持っていた。
絵を見た時の感じ方は自分の感性とシンクロするかどうかがあるようで、
どんな名画といわれても自分の感性に響かない絵は自分にとっては意味がない。

水墨画の中では長谷川等伯の松林図屏風はすごいと思ってきたが、
蕭白は絵の世界を広げてくれた。

まずは、水墨画は筆の線で描いているというあたりまえの事実を
再認識をしたこと。
同じ描くといっても、油絵は塗る行為であり、水墨画は筆の線で描く行為である。
これが表現のスピード感に決定的な差異をもたらしている。
（塗る場合、水墨画はうす墨で塗る程度である）

その極地が、商山四皓図屏風だ。
ちなみに私にはこの絵が一番好きになった。そのスピード感はまさに
筆で描くことによってのみ得られるものであり、他の画法ではなしえない表現だろう。
商山四皓図屏風はまさに筆致のスピードの絵だ。

商山四皓図屏風


楼閣山水図屏風に描かれた岩や山の形は異形であり、この絵全体に
奇想感が漂っていて印象に残った絵の一つである。
水墨画では白は、下地の和紙の色であり、筆で描いた残余として表現される。
そのため時として白を描くことはとても難しいことのように思える。

例えば楼閣山水図屏風で滝が描かれているが、岩に貼ったようで
不自然に見える。それもそのはずで、岩を描いた残りとして白で流れ落ちる滝を
表現するのだから難しいはずである。
（ちなみに千住博氏の滝の絵は、不透明の白で描いているので、
水墨画に描かれた滝とは全く正反対の技法である。）
そのなかで虎渓三笑図屏風の滝の絵は、周りが薄墨なので自然に
描かれているように思えた。

筆で描いた残余として、白を描くという視点で他の絵も見ていくと
色々面白いことに気づく。
風仙図屏風に描かれた襟元の白い模様は、周りの薄墨の残余が模様となっている。
長谷川等伯の龍虎図屏風の虎と龍の間の白は、描かれた白である。

筆致の残余として白を描くことが水墨画にとっての生命線なのではないか。
よく日本独特の間というようなことをいうが、私にとっては
白を描くといった方がしっくりくる。

庭園研究者の稲垣敏郎氏は白砂を主体とした石庭のような枯山水は、
寝殿造りの前庭が独立したものだと述べられているが、意識としては白砂を
キャンバスとみたて、石を置くことにより白砂で白を描くという意識が
あったのではないかと思えてくる。

こんな風に想像は飛躍するが、ものの見え方が広がっていくのが楽しい
昨今ホテルや旅館に石を設えている所も多いが、何か違和感を覚えるのは
石を置いただけで、周りの空白を描くという意識がないからなのかもしれない。

楼閣山水図屏風

虎渓三笑図屏風

曽我蕭白はすごい

上野の国立博物館で開かれているボストン美術館展に行ってきました。
今回の展示の目玉の一つは曽我蕭白ですが、すごいです。
奇才です。久々にすごい絵を見ました。

下の風仙図屏風はミュージアムショップで販売していた絵葉書ですが、
ぐるんと描かれた疾風と、飛ばされた人物となびく木が、折れた屏風の遠近により
強調されて、すごい迫力です。
平面ではよくわかりませんが、屏風の折れ曲がるという特性を最大限生かした絵です。

帰りは、天気予報がはずれて晴れてきたので、松本楼で遅いランチ。
首かけイチョウは今年も変わらず新緑でした。

花田さんのこと

札幌時代にお世話になった、画家の花田和治さんの北海道近代美術館での
展覧会に行ってきました。60歳半ばを過ぎた花田さんの年代ごとの
業績をたどる大きな展示です。
いつしか音信が途絶えてしまったのですが、学芸委員の方の取り計らいにより、
20年以上ぶりに仲間とともに、花田さんともお会いすることができました。

以下は展示を見た私の感想です。
私が、花田さんとお会いしたのは、花田さんが東京から故郷札幌に戻られた
30歳前後の頃でした。その頃は平面を分割した抽象表現を探求されていて、
綺麗だがそれが何なのか、それ以上のことは私にはわかりませんでした。
ちなみにその頃いただいたシルクスクリーンは今でもあの頃の素晴らしい思い出です。

しかしながら、80年代から探求するものが大きく変わっていったことを
今回の展示会でたどることができ、私にとっては、絵の見方を広げてくれた
素晴らしい展覧会でした。

私が80年代以降の絵を見て感じたことは、一言でいうと、自然の静けさの
エッセンス（本質）のなかに引き込まれていく感覚です。

学芸員の光岡氏が書かれていたように、花田さんは画面に表現される
イメージとはなにかということに関心を寄せられていたようです。
当日もお茶を飲みながら、例えば母の列車は、駅で見た老婆の姿に触発されて描いたと
花田さんが話されていました。
しかしそこには老婆の姿はどこにもありません。
あるいはその濃いブルーの中に、北の海を想うことができるかもしれませんが、
絵の中にあるのは、深淵と静けさだけです。そこには具体的なイメージは一切ありません。

ではなぜ具体的なイメージを消さねばならないのか。それはイメージがあると、
イメージが先行してしまい、本質が後ろに隠れてしまうからではないか。
それでは花田さんが捉えようとした本質とはなにか。
それは豊穣な静けさであり、それを画面の中に定着しようとしたのではないか。
それを触発したのが自然だったのではないか。
私が静けさのエッセンス（本質）のなかに引き込まれていく感覚を覚えたのは
そのためではないか。そんなことを絵を巡りながら感じ考え、充実した時間でした。

展示会のパンフレットの中で、学芸員の光岡氏が日本画の巨匠福田平八郎に花田さんが
関心を寄せていたことを書かれていましたが、私も30年前に花田さんから
福田平八郎の話をお聞きし、画集を買った記憶があります。
その当時はなぜ福田平八郎かわからなかったのですが、今思うと花田さんは
福田平八郎のもつ静謐さに惹かれていたのではないか。
その意味で、福田平八郎への関心イコール日本画的なものへの回帰ということではないと、
私は考えています。

自然もっと大きく言えば宇宙と人間の間に表現者として介在し、自己のイメージを
前面に表現することなく、宇宙や自然の本質を紡ぎ出して提示してみせること、
これが日本的表現の本質なのではないか。
例えば　ふるいけやかわず飛び込む池の音　という芭蕉の俳句でも、作者のイメージは
何ら表現されてはおらず、ただ永遠に続くかのような静けさのみを提示している。
それはすぐれた芸術のみが持つ特質であると私は考えています。

その意味において花田さんは、画業において宇宙（自然）が内包する
静けさ、喜び、悲しみといったエッセンスを、具体的なイメージを介在させることなく
捉えたのではないかと、というのが私の感想です。

70年代　私が花田さんにお会いした頃、描かれていた平面分割

手稲山の雄大で吸い込まれるよう画面

母の列車

今日は1日アート三昧

今日は1日、アート三昧。

出光美術館で山田常山の土の造形を堪能した後、扇谷京子さんの主催する
千駄木のギャラリーkingyoで海崎三郎さんの鉄の造形を楽しむ。

ギャラリーkingyo：http://www.gallerykingyo.com/

知り合いとお会いしたので、帰りは千駄木で一杯。
土と、鉄と、酒。僕の好きなもの三点セットの1日でした。
写真は作家の海崎三郎さんとのショット。

山田常山の土の造形:
丹精込めて削り出された急須と、大胆な自然釉の造形の対比が新鮮。
火に焼き締められ、自然に作為なく歪んだ形が持つ力に、吸い寄せられ
しばし見いってしまう。

海崎三郎さんの鉄：
海崎さんの作品の多くはガウジングという技法で、高温の熱を直接鉄にかけ、
酸素の圧力でえぐりながら、無垢の鉄を形創っていくのだという。
鉄という固い素材を、手の造形に引き寄せる意志。

火は柔らかい土をかため、硬い鉄を溶かす。
両者にに共通する、手の意志と火の力のせめぎあいが造りだす
力強い形に惹かれました。

千倉とホキ美術館

房総の千倉で水平線から上る、見事な日の出を見た。
散歩途中の地元の方によると、雲に隠れずに水平線から太陽が昇るのは
この時期でも珍しく、初日の出に限っていえば、２０年に一度ぐらいだとのこと。
一日の始まりとしてまずは、さいさきがいい。

午後は外房線土気にオープンしたホキ美術館に立ち寄る。
住宅が迫る、周りの環境は美術館が立地する場所としてはやや異質な
感じがあるが、美術館のすばらしさは、それを補って余りがある。

展示された写実絵画の精緻さには好き嫌いを別にしてまずは驚く。
やがてそれは写実そのものではなく、理想化された現実（つまりは虚構）であることに気づく。
それは果物、女性の肌等、描かれた質感（マチエール）に表れている。
理想化と言う製作過程により得られた絵画性と、現実を切り取る写真との違いを感じながら、
細長いギャラリーを巡る。（ちなみに前日は千倉の浅井新平写真美術館に立ち寄った）

展示にましてすばらしいのが美術館の建物そのものだ。
緩やかなカーブにより閉鎖感と開放感をうまく繋ぎ合わせた展示室は、絵を見る環境として
ここちよい。

美術品は紫外線で痛むのを防ぐため、暗い展示室で守るというのが基本であったが
近年は、適度に外部に開いた美術館が多くなってきている。
９月に訪れたニューヨークの近代美術館も同様であった。

中にはスイス、バーゼルのバイラー美術館のように、天窓から全面的に外光を取り入れている
ものもあるが、床のフローリングが日焼けしていたので少しやりすぎかなと思ったケースもある。
話が長くなったが、この美術館も１階は外光が入り気持ちが良い。

細部にもよく気が使われていて、展示を見るための照明はよく考えられていて感心をした。
床も柔らかいゴム系のものなので疲れない。

是非一度訪れていただきた美術館である。




























ホキ美術館

ニューヨークの美術館

９月の末にニューヨークと近郊のニューへブンを訪れた。
建築や街を中心に見て歩いたのであるが、美術館での体験もすばらしかった。

美術館などその所蔵品もすごいが、名画を間近で見ることのできる展示がすごい。
近代美術館では、ピカソのアビニョンの娘たちやアンリルソーの大作の額にガラスが
入っていない状態で、しかもま近で見ることができた。
よくある一定以上近づくとブザーがなったりする仕掛けもない。
近くに監視の係員が立っているだけである。

メトロポリタン美術館ではゴッホの絵の生の筆づかいを見ることができた。
額にガラスがはいっているのとそうでないのとでは絵の見え方がまった違う。
生の絵は大げさにいうと絵が発するオラーがそのまま伝わってくるのだ。
うわべで鑑賞するのではなく、筆のタッチが心のひだにくい込んでくる感じ。
絵の前では旅の時差ぼけや疲れも吹き飛んでしまった。

ヨーロッパの美術館でも同じような額にガラスが入っていない展示があったりもするが、
目と鼻の先まで絵に近づいていい、ということはあまりない。（日本では僕の知る限りない）

ブラックの絵を子供に、ここが鼻、ここが口と説明するお父さんの指が今にも絵に触れそうな
ほどだったのに、係員の方が特に注意もしないのには、日ごろ日本の監視になれてしまっている
僕には新鮮な驚きだった。
美術鑑賞は教育ではなく楽しみであるという考えが徹底しているからなのだろうか。

近代美術館を訪れた日は、月曜日の午前中にもかかわらず、長蛇の列ができるほどの
人気のスポットになっていることもうなづける。

フラッシュをたかなければ写真もＯＫ．というわけで美術館でのスナップです。

アトリエ美術館

５月のすばらしい緑の季節も終わり入梅も間近です。
５月には２つのアトリエ美術館を訪れました。

僕は個人美術館、特に作家のアトリエをそのまま展示室にした美術館独特の
落ち着いた雰囲気と美術品囲まれると、ずっとそこにいたくなってしまいます

まずは連休に行った葉山の山口逢春記念館。
ここは３度目ですが、吉田五十八という建築家が設計した
アトリエと庭がきれいな美術館です。

新しく手を加えたというアプローチに使われている素材が、いかにも無骨で
既存の建物とミスマッチなことや、エントランス横のテラスのガラス壁が建物と庭を
分断してしまっていることは残念ですが、その他は保存状態も良くいごこちのいい美術館です。
（始めて訪れた時には、確かガラス壁はなく、庭との一体感がとてもいい雰囲気で
あったのでとても残念です。）

アトリエには、長い椅子が置いてあり、座って作家が使っていた道具を眺めていると
しばしの間タイムスリップしたような気持ちになります。
発色が美しい日本画と庭の新緑が響きあい、魅力的な時間が過ごせます。

館員のかたも親切に説明してくださり、美術館に誇りを持っていられることが伝わってきます。

ここで少しこのアトリエについて。
インテリアには杉や障子が使われているのですが、和風というわけではありません。
床は２４ｃｍ角の桜トのパーケッというフローリングです。

ここで吉田五十八のこだわりを感じたのは、障子の敷居にフローリングを切って埋め込み、
敷居と床を一体的に見せようとしていることです。また壁面に作りつけられた家具の扉も
部屋全体のスケールに調和させるよう注意深く割付けられていくことがわかります。
このようなこだわりと配慮が落ち着いた雰囲気をつくりだしているのです。

もうひとつは世田谷の弦巻にある向井潤吉アトリエ館です。

ここは世田谷美術館の分館で最近耐震改修が終わり再開しました。
大谷石とチョウナ掛けの栗の門は（おそらく栗だと思います）古びてとてもいい感じです。
建物は昭和初期に建てられたもので、和風モダニズムとでもいうのでしょうか、
和の衣をまといながら生活様式は洋風化していくという時代の雰囲気が伝わってきます。

中をめぐってみると、この建物は火をひとつのテーマとした建物ではないかと気づきます。

まず玄関をはいると土間にいろりのようなものがあります。
これは玄関横の接客スペースでお茶をふるまうためのしかけではと思うのですが、
火とお茶で接客するとは心憎い演出です。

なかに進んだ居間には、まきストーブが据えられていて、小上がりのような畳の間には、
火鉢が置いてあります。日常生活の中で火を楽しんだ様子を想像すると、
画家がこの住宅に込めた思いが伝わってきます。

改修されたインテリアは塗り壁風のビニルクロスを使う等、やや荒さが気になりますが、
この後庭が綺麗に手入れされれば、とてもよい雰囲気になるのではと思います。

二つとも建物と作品が楽しめるアトリエ美術館です。

重源

建築史家伊藤ていじさんが書いた重源を読み終えた。

重源は平安末期に平氏の南都焼き討ちにより、消失した東大寺を再建した僧侶である。
史実にできる限り忠実であろうとする配慮からか、東大寺再建の工法等についての記述に
物足りない感じもしたが、背景となった朝廷や権力者源頼朝との関係の記述には読み応えがあった。

読み終えて僕が思い出したのは、重源の坐像の表情である。
同じく僧侶の坐像としては唐招提寺を建立した鑑真のものが有名である。
鑑真坐像は数年前に開催された鑑真展で、重源の坐像は東大寺の至宝展で見ることができた。

鑑真坐像は瞑想の境地を表現した、写実でありながら写実を超えた、力の抜けた肩の線に強く引かれた。
表情もまさに人望厚い高僧の境地そのものである。

一方重源の坐像はどうか。そこには眼光鋭い老僧の姿が表現されている。

重源が東大寺再建というほとんど不可能と思われていた事業に身を投じたのは、
６０歳過ぎから９０歳近くまでの晩年であったという。それは朝廷権力の没落、武士の台頭という
激変する世相の中で、民衆からの勧進や権力者頼朝からの寄進等による資金調達から
材木等建材の手配という、プロデューサー的役割から、工匠たちの管理という現場監督の役割、
工法や意匠という建築家の役割まで、気の遠くなるような作業だったようである。

かなりの手練手管を使い、宋には一度訪れただけにもかかわらず入宋三度と書いた記録が残っており、
これは事業遂行のため自身をより高く見せるための虚言ではなかったかと推測されている。
今日的にいうと目的のためには手段を選ばないマキャヴェリスト的側面があったようである。

しかしながら重要なことは重源が、高僧にもかかわらずマキャヴェリストだったというようなことではなく、
自分を捨て、手練手管を使いながら事業を達成した重源のような僧侶の存在が歴史を作り
文明を創ってきたということになのである。

僕には重源の坐像にはそのような老僧の意思が表現されているように見える。